当代艺术在学术界并没有标准定义,可以说是一种材料、方法、概念和主题的动态组合,还在不断发展演变中,不断挑战传统艺术的边界,不断打破事物的原本定义,记录艺术家感受的当下。

之所以现在的展览普遍地采用“当代艺术”这个词,是因为说成“现代艺术”容易与“现代派”艺术相互混淆,同时“当代艺术”所体现的不仅仅只有未完成的“现代性”,还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”感受和精神传递。时代在发展,在绘画与雕塑之后,艺术的媒介出现了更多元化的类型,如观念艺术、影像艺术、行为艺术、新媒体艺术等等,挑战人们对传统艺术的认知。

1.艺术的评判标准是这样被革新的

 

马赛尔·杜尚《泉》

这是一件划时代的作品。它在第一次参展时,在当时是不被认可的,被展览方嫌弃地扔了。所以现在看到的都是复制品。当时一些评论家指出这件作品是剽窃,因为它是工厂生产的现成工业品,而非精心创作的艺术作品。毕竟在遥远的古希腊和罗马,艺术首先是一门手艺和职业;它有自己的技巧规则,它要考虑怎样在自己和它的接受者之间搭建一种相互理解的桥梁,而不能只是创作主体个人一味天马行空。

 其实可以尝试换一种理解方式,理解为杜尚就是戏谑地调侃一下那些艺术界的老学究,用一种极端的方式打破传统艺术的判定标准。启发人们从一个新的角度来审视艺术、生活、生活中的艺术等等。这件作品被编进了教科书里,因为它代表了了当时艺术界的一个现象级事件,书里对这件作品的好坏并不评说,却承认这件作品对后来艺术家的思维方式影响巨大。

2.如何去理解当代艺术作品

举几个例子,先来说个形式严谨的,

(1)第一种方式

珍妮·霍尔泽作品

以上为著名美国女权主义、概念艺术家,珍妮·霍尔泽的作品。

她的作品大多是具有设计感和形式美的,利用投影技术,在公共场所所有美术馆里,在大面积的建筑上投影运动播放的标语。主要讨论了女性身份、艺术价值、政府对于信息的监督、公平正义等社会问题。由于他的作品多是活动的,需要观者看完投影上的字,所以也是对于时间的利用也是一种与观者的互动。此类作品是大众比较容易理解的一类,可以从作品的内容表达去理解,从表达的媒介去探究,从形式上去欣赏。

(2)另一种方式

徐冰《何处惹尘埃》

在“9·11”事件发生时,艺术家徐冰收集了当时现场的灰尘。收集那包灰尘的时候,徐冰是下意识的,并不知道要干什么用,只是觉得这是一件非常沉重有意义的事。2002年,他重读六祖慧能“本来无一物,何处惹尘埃”这句禅诗的时候,想起了这包灰尘,他开始计划构思一件装置作品:《何处惹尘埃》。

菩提本无树,明镜亦非台。 本来无一物,何处惹尘埃!

本来无辜的人们却在人为的斗争中丧失生命,就像尘埃的命运一样。

2004年,徐冰在英国威尔士国立博物馆的展厅里实现了作品。为了把这包尘土从美国带到欧洲(国际规定不允许土壤、种子等物质在大陆之间携带出境),他用女儿的一个玩具娃娃翻模,用尘土做了一个看起来像是雕塑作品的小人形带上飞机,到威尔士后,再把它还原成粉末——这个过程后来也成为作品内容的一部分。在展览现场,徐冰将这包尘埃吹到空间里,经过24小时后,灰尘落定在展厅的地板上,显现出那两句禅诗:本来无一物,何处惹尘埃。尘埃如霜覆盖,有肃穆之美,又因随时可能被任何微小的自然外力改变而令观者身处紧张和压迫。
理解此类作品时,需从艺术家经历、政治、社会等各个角度,甚至从文化学,语言的角度,重新观察我们眼前所发生的艺术现象。尤其涉及政治,不能采用强烈的直接表达方式,作品的表达会更加的隐晦。对于作品背后要查阅的信息,比观看作品本身花的时间要多得多。

(3)再一种方式

说一个行为艺术的

 玛瑞娜·阿布拉莫维奇《凝视》

艺术家玛瑞娜·阿布拉莫维奇在纽约现代艺术博物馆做了一个超过700小时的静坐的行为艺术,每天7小时坐在椅子上,没有语言,没有动作,禁食,甚至不能上厕所。在她的对面有一个座位提供给参与者,每次让一位参与者与其相互凝视,时间不限。

 

玛瑞娜·阿布拉莫维奇《凝视》

心理学家拉康在1978年的《精神分析的四个基本观念》中,将凝视定义为自我和他之间的镜映关系,即他人看待自己的眼光折射之后,构成了人自己的再现。他并用此概念,来说明男人和其凝视客体女人之间的关系。

正如他所说,虽然每个人内心所思所想不一样,可是通过眼睛这扇心灵的窗户,每个人在凝视的过程中终会有所感悟。每个人能够专注的时间和凝视时的心理活动各有不同,人生轨迹的不同和性格的不同会让人在这种炽热的目光下产生不一样的化学反应:羞涩,愤怒,激动,好奇,爱慕,敬仰,质疑,挑衅,渴望,封闭……或是猜测对方,或是审视自己等等。 而在这场表演中,不少参与者都潸然泪下了。就像人们有句老话:看着我的眼睛,告诉我真相。人们在于她的对视中审视自己,拷问内心。现在生活节奏过快,人们无法专注太长的时间,她创造了一个使时间放慢的空间,化时间为重量,传达给每一个与她对视的参与者,于是人们就有了各种情绪宣泄的表达。

再说一个我喜欢的

奥拉维尔·埃利亚松《气候项目》

奥拉维尔·埃利亚松,2003年,他的代表作之一“气候项目”在伦敦泰特现代美术馆引起轰动,他在挑高很高的涡轮大厅靠近天花板处,悬挂了一只由许多小灯泡构成的半圆形装置,以镜面反射组成一轮圆圆的红日,四周不定时地喷洒出水雾——人们坐在美术馆入口大厅的斜坡上,像欣赏海边落日般注视着眼前的人造景观。作者也不提供理解作品的唯一语境。他制造一种感官体验,观众在其中获得一种沉浸式的观展体验,有人坐下,有人躺下,有人自拍等等。而每个人的感受是不一样的,开放性的,有的人感受到落日的美好,有的人感受到了原子弹爆炸后的世界末日景象。

这两件作品,虽然表达的方式不同,但都可以归为带给观众高参与感的作品,带给观众的感官体验高于作者本身对作品的诠释。所以对于此类作品,不需较真作者在表达什么,因为有时候触动我们的就是一种感觉,哪怕是一瞬间的爽感,每个人都能从中得出各自不同的理解。

3.结语

多年的传统的教育形成了我们固有的审美观,一旦有东西对这种根深蒂固的东西进行挑战,很多人会心生抗拒,所以一些人认定艺术发展到今天已经被带跑偏,艺术家已经江郎才尽到了瓶颈。
担任过央美副院长的艺术家徐冰曾说过:好的艺术家是思想型的人,又是善于讲思想转化为艺术语言的人。 面对今天的艺术时,我们发现背后的观念要高于展现的美感。艺术不仅仅是抒发情怀、修身养性、政治宣传之用,所以简单地用形式分析,风格分析,这样的路径已经远远不够了。有时需从艺术家经历、政治、社会等各个角度,甚至从文化学,语言的角度来多方面理解。有时因为作者提供的开放性,没有确定的理解方式。

科技在不断发展,展示艺术的媒介也越来越丰富,人们的创意也越来越发散,当代艺术在我看来,当下正变得越来越包容,早已不能用美丑来评判,理解和学习也要取其精华去其糟粕,毕竟世界本就比想象的更为复杂。